Io c'ero. Festival ed eventi vari. 34 TORINO FILM FESTIVAL. JESUS

Francia/Cile/Germania/Grecia/Colombia 2016.

Il giovane Jesús è un adolescente che vive a Santiago praticamente da solo, perché il padre viene e più spesso va, passandogli riluttante i soldi che gli servono. Non studia né lavora, ma con gli amici passa il tempo fumando, bevendo, esibendosi sul palco a ballare in gruppo musica pop. Una sera, ubriachi, Jesús e compari si lasciano andare a picchiare a sangue un coetaneo trovato praticamente incosciente in un parco. La notizia che il malcapitato è finito in coma funge da brutale sveglia per Jesús, i cui amici, con logica di gruppo, lo convincono o minacciano a restare omertoso. Ma fingere che nulla stia succedendo è difficile e lui si apre al padre, che si sforza di aiutarlo prendendolo sotto la sua ala e agendo per lui.

Passato a Toronto prima del concorso torinese (in cui il giovane Nicolás Durán ha vinto come miglior attore), il film è l'opera seconda di Fernando Guzzoni dopo il non molto visto Carne de perro.

Un po' programmaticamente controverso, unendo il suo metodo stilistico alla storia e al contesto raccontati il regista si muove tra rigore e furbizia, in un modo che ha convinto poco diversi spettatori un po' sgamati, stando ai commenti colti dopo la visione. Il metodo è quello di piani lunghi, di insistiti primi piani sul protagonista, di inquadrature in cui lui è di spalle e a fuoco mentre il resto è fuori fuoco, o diventa leggibile solo quanto basta per capire cosa lo circonda.

Se funziona l'interminabile sequenza del tentativo di conoscenza e conseguente dispiegamento di violenza verso il ragazzo ubriaco, i passaggi hard, compreso uno gay, sono ancora più una spia del confidare in una forza provocatoria che però (spettatori casuali a parte), nonostante erezioni e rapporti veri o quasi, rischia di risultare “vecchia”.

Un modello di fare cinema non nuovo insomma, anche o soprattutto nel guardare a personaggi giovani, ma che è difficile definire privo di brutale efficacia. La desolazione e il grado zero o quasi delle vite di questi ragazzi dediti solo al piacere e al deboscio, oltre che dai modelli omologati, tra infighettamento estetico e popband entrambi dal sapore bieberiano, colpiscono spiacevolmente e non li si avverte come lontani.

Uno degli aspetti migliori del film è la figura, decisiva, del padre di Jesús. Figura paterna che all'inizio c'è, per poi continare a lasciare il figlio immaturo a sé stesso e infine tornare a danno fatto, a cercare di fare il padre nel senso di proteggere il suo ragazzo, mettendosi in testa di aggiustare quel che di gravissimo ha combinato, e poi di fare la cosa più giusta e di insegnamento, che non è la più facile, a costo di interrompere un legame. Bella l'ellisse che elimina la confessione del giovane al papà, facendoci passare da una scena familiare, a base di una routine che non può più reggere, a un attonito confronto tra lacrime e shock.

Al di là del richiamo cristiano, si può ravvisare anche qui, oltre che per Godless, un collegamento con Dogs, ma sotto un altro aspetto. Anche qui abbiamo delle persone giovani che non riescono ad avere il controllo della propria vita, e chi si prende la briga di risolvere le cose, in modi radicalmente diversi, sono “i padri”.

Una sorta di racconto morale visto con distacco emotivo, Jesús. Un film non per tutti i gusti e meno riuscito di quanto probabilmente crede di essere, ma neppure così scrollabile dalle spalle.

A.V.

Il trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Vii_7HL9Gfk

Io c'ero. Festival ed eventi vari. 34 TORINO FILM FESTIVAL. LAVENDER

Canada/Usa 2016. Con Abbie Cornish, Dermot Mulroney. 

Jane ama fotografare case isolate. Non ha mai fatto pace coi vaghi ricordi della casa in cui ha vissuto da bambina e in cui era stata testimone (solo?) di un massacro. Ha visioni improvvise di bimbe e le capita di trovare oggetti: momenti che la portano a un incidente dopo il quale perde momentaneamente la memoria. Con marito e figlia, si trasferisce allora proprio nella casa dell'infanzia, non lontano da uno zio ritrovato, dove le visioni si intensificheranno fino a consentirle di fare i conti definitivamente col passato lontano e scoprire chiaramente cosa era accaduto circa trent'anni prima.

Di Ed Glass-Donnelly si era visto anni fa al TFF Small Town Murder Songs, un crime-movie intenzionalmente lasso. Questo Lavender, visto nella sezione “After hours”, è un film che, volendo cercare di etichettarlo, è più pienamente di genere, e in modo più classico (nel mentre, il regista ha diretto il sequel di The Last Exorcism, uscito anche in Italia), ma confrontando (a memoria) i due film, era meglio quando questi benedetti generi li prendeva più alla larga e in modo più personale.

L'approccio visivo del regista è all'insegna dell'ovattato. Si susseguono con una certa placidità visioni a vantaggio della protagonista e dello spettatore, comprese bambine che si fanno correre dietro (ma anche uomini, in un passaggio, non da buttare, nel quale la protagonista si intrappola in un labirinto di balle di fieno).

Il prologo sembra avere qualcosa di promettente, nel darci quadri della scena del crimine staticizzati ed esplorati tridimensionalmente dalla camera, ma la conferma che ci si è sbagliati arriva quando Glass-Donnelly (anche co-sceneggiatore) decide di mostrarci la dinamica del fatto di sangue, il chi e il come. Introdotta in modo pedestre da un personaggio (quello dello psichiatra a cui Jane viene affidata dopo l'incidente) che si discolpa indicando il vero responsabile, è una sequenza cui O'Donnelly dà spessore nella modalità evidentemente prediletta: quella del rallentare il tutto, fino a tornare ad effetti simili a quelli dell'apertura. Funziona così così, e il ridicolo è dietro l'angolo, prima del momento risolutivo di tutto quanto, che è rapido e poteva essere sfruttato meglio.

Se i boo scares sono soft, l'uso della musica, pesante e onnipresente fino a diventare noioso, dà un deciso contributo negativo all'insieme poco convincente. Il risultato complessivo è spuntato, bolso, con tensione e brividi quantomeno discontinui.

Gli interpeti, piuttosto medi, non aiutano ma non è neppure colpa loro se il film è molle: un horror drammatico, quasi per signore, che la dignità di horror la raggiunge ma è molto probabile che scontenti l'appassionato. E conferma in chi scrive i dubbi su un atteggiamento diffuso tra i seguaci dei generi: cosa è peggio, cosa vale più la pena di vedere tra un film che costeggia un genere pur non sentendo il bisogno di metterci mani e piedi, e un film come questo che è di genere ma poco riuscito?

A.V.

Il trailer: https://www.youtube.com/watch?v=-_ltn43Bx9A

Io c'ero. Festival ed eventi vari. 34 TORINO FILM FESTIVAL. PORTO

Francia/Polonia/Portogallo/Usa 2016. Di Gabe Klinger.

Jake e Mati, in quel di Porto, vivono una storia d'amore che dura l'arco di una notte. Lei accetta l'approcciarsi di lui in un locale e un feeling, un'attrazione tra i due emergono subito. Lui l'aiuta a portare scatole nel suo nuovo appartamento, in cui scatta il sesso. A cui segue un livello di conoscenza con il dialogo oltre che biblico, e una tenerezza malinconica prima di finire col riposarsi a nuovo giorno già iniziato. Lei, però, è già ufficialmente impegnata, con un uomo più maturo e soprattutto quel che stiamo vedendo appartiene già al passato. In questa relazione dopo la quale è lui soprattutto a esserci “rimasto sotto”, come si suol dire, lo star bene insieme per i due è stata una magnifica parentesi, da ricordare, sullo sfondo di una città.

La struttura con cui il film racconta questo brevissimo rapporto di amore e sesso è originale. Suddiviso in tre pseudo-capitoli, Porto va avanti e indietro, seguendo meglio un personaggio e poi l'altro, ritornando su alcuni passaggi, ampliandoli e fermandosi poi su altri non ancora visti (la cena, che sembrerebbe un primo appuntamento invece scopriamo essere avvenuta di notte, già dopo l'esplodere della passione).

La passione scoppia improvvisa, con un'impellenza da cinema (e complice un piede di lei: feticisti alert), e tra incredulità e piacere lui e lei mettono assieme tre amplessi quasi di fila (in barba a quel che si chiama periodo refrattario). Dopo aver preso questa piega erotico-cerebrale, il film ne prende una poetica, e mostra ancora più il fianco. Seduti su una panchina, i protagonisti filosofeggiano, ma lì rischiano di perdere lo spettatore, nella ricerca di qualcosa di serio da dire sull'esperienza e le emozioni vissute.

Tutto questo è “cinematografato” con un'estetica slow dovuta al ricorso non solo alla pellicola, che con la sua grana contribuisce all'aura “intima” del film, ma anche a formati diversi, perché oltre al tradizionale 35mm abbiamo brevi passaggi a 8 e 16mm.

Lucie Lucas, bella e abbastanza brava, sfoggia nelle scene erotiche un nudo scultoreo. Purtroppo chi scrive non è riuscito, a differenza di un po' tutti a quanto pare, a gradire la performance di Anton Yelchin. L'attore tragicamente scomparso, a cui il film è dedicato (ma ne ha tre ancora in arrivo), attraversa l'intero film sulla stessa tonalità, ma così il suo personaggio sembra francamente un rincoglionito, o come minimo uno in attesa di una pacca che lo distolga dai suoi pensieri. Se è vero che il suo tratto vocale è quellolì, grattato, il modo in cui il personaggio è impostato e la sua fissità non giocano a favore della riuscita del film, anche se vanno nella direzione che evidentemente il regista brasiliano, all'esordio nel lungo di finzione, voleva: una sorta di intensità introversa a dispiegamento lento, o quantomeno modulato, in un mood che conta più delle parole che vengono dette e cui concorrono anche le note di piano in colonna sonora.

Un tempo felice, da assaporare e che sarebbe da fermare (anche perché il “dopo” non lo è, tra lui che si abbassa a un gesto violento e lei che non ha azzeccato il nuovo legame); due protagonisti che condividono un'esperienza percepita come strana ma impossibile da evitare, qualcosa che doveva succedere (come da parole di lui). Un dolce e malinconico tributo al bello inatteso che la vita può aprire davanti, per poi richiudere: quello che Porto ha da dire arriva, convincendo però parzialmente.

Produce Jim Jarmusch.

A.V.

Il trailer: https://www.youtube.com/watch?v=CIVBl-v0TSk

The freak show. SHADOW CREATURE

Usa 1995.

A Cleveland, un impulsivo agente di polizia indaga sugli efferati omicidi commessi da un feroce mutante anfibio, a sua volta creato in laboratorio da uno scienziato pazzo alla ricerca del segreto dell’immortalità.

Prima ed unica opera da regista del direttore della fotografia e operatore James P. Gribbins, Shadow Creature è un letale film a basso costo girato a Buffalo, nello stato di New York, tra locations di fortuna e attori da teatro parrocchiale di provincia. Nonostante la premessa da horror di serie B come se ne sfornavano a mazzi tra gli anni ’80 e ’90 (si pensi ai vari C.H.U.D., Watchers, DNA e compagnia), il film ha la peculiarità di degenerare periodicamente nella commedia grassoccia, con effetti sonori presi di peso dai film dei Tre Marmittoni, battute da far incarnire le unghie e copiosi rigurgiti di vomito: i cambi di tono sono talmente bruschi (nonostante la totale incapacità del cast, che rimane costante) da far sospettare che siano un espediente escogitato in corso d’opera per buttare tutto in farsa e salvare così capra e cavoli. Per il resto, la pellicola scorre stopposa senza la benché minima tensione e pure le saltuarie iniezioni di gore sanno di approssimativo. Un discorso a parte invece meritano gli effetti di make-up: benché realizzato in economia, il mostro non sarebbe nemmeno male, se solo le inquadrature e l’illuminazione fossero mirate a valorizzarlo. Originariamente uscito in VHS negli USA ed in alcuni Paesi come la Francia (con il titolo di Cauchemar Sanglante), Shadow Creature fa ogni tanto capolino in rare riedizioni in DVD e Blu Ray all’Estero: chi scrive sa di almeno un box-set in alta definizione uscito in Germania qualche anno fa che conteneva proprio la creatura di Gribbins assieme a film come Abominable (un horror sullo Yeti uscito nel 2006 con Jeffrey Combs e Lance Henrisken) e Star Crash-Scontri stellari oltre la terza dimensione di Luigi Cozzi. A chiunque voglia davvero recuperarlo, posso solo augurare una buona caccia. 

Emiliano Ranzani

In alto: copertina della brochure da www.behance.com.

The freak show. BLOODLUST

A Melbourne, tre vampiri. assetati più di sesso e droga che di sangue, decidono di rubare tre milioni di dollari da un casinò gestito da malavitosi. La rapina va a buon fine, ma il trio finisce nelle mire di un gruppo di invasati religiosi, di una coppia di poliziotti cialtroni e degli stessi criminali da loro derubati.

Bloodlust è un frullato di splatter, action movie e trash comico-demenziale, scritto e diretto a quattro mani dagli esordienti Jon Hewitt e Richard Wolstenfroft nel 1992. Sua caratteristica peculiare è il non essere stato girato in pellicola ma bensì in video, una rarità per i primi anni ’90, soprattutto se si considera che l’opera in questione è uno sforzo produttivo non indifferente: tra sparatorie con armi automatiche, colpi in arrivo, esplosioni, riprese con bracci a testa remotata, un sonoro presente ed una direzione della fotografia dignitosa, Bloodlust si distingue decisamente dalla maggior parte delle produzioni in elettronico del periodo, spesso e volentieri di livello amatoriale o poco più. Ma aldilà di questo dato mero tecnico, il film non brilla per nessun merito effettivo: gli attori oscillano tra il legnoso ed il gigionismo più spinto, la storia fa acqua da tutte le parti e pure la confezione è priva di vero brio. Benché le provi tutte per risultare disgustoso ed offensivo, con iniezioni di splatter ed un paio di scene soft-core, il film finisce per passare come uno scherzo tra adolescenti tirato un po’ troppo per le lunghe, non dissimile da cose come Razor Blade Smile di Jake West. Ciononostante, ai tempi riuscì a ritagliarsi il suo quarto d’ora di celebrità all’Estero dopo essere stato bandito nel Regno Unito e nel Queensland.

Per anni di non facile reperibilità, Bloodlust è ora disponibile in un'edizione DVD australiana prodotta dalla Monster Pictures nel 2013. Se siete dei veri irriducibili della serie B (o anche della C2, zona di retrocessione), accattatevillo.

E.R.

Il trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Zr2umn9R9Og

Festival ed eventi vari. 33 TFF, 21-29/11/2015. LA FELICITA' E' UN SISTEMA COMPLESSO

Italia 2015. Di Gianni Zanasi. In sala dal 26 novembre.

Enrico (Valerio Mastandrea) ha un lavoro più unico che raro: persuadere i manager irresponsabili a lasciare le aziende. Quando la coppia di dirigenti della multinazionale in crisi Lievi scompare improvvisamente, il delicato ingresso nel cda dei figli - il giovane, inesperto e idealista Filippo e la giovanissima Camilla – è seguito da Enrico da vicino. Questi intanto, a un livello personale ma che va a tangere anche l'aspetto lavorativo, ha a che fare con una misteriosa ragazza straniera dal nome impronunciabile che il fratello, scaricandola con irresponsabilità, gli fa trovare in casa.

A otto anni di distanza da Non pensarci Zanasi torna a un lungometraggio con un film di stile, toni e poetica riconoscibili ma al contempo con qualcosa di diverso e cambiato. La felicità... spesso sembra restio a essere una commedia. Non riesce a fingere di non essere in tempi di crisi, di aziende che rischiano, di delocalizzazioni e di persone che non capiscono che futuro avranno. Con tutto questo bello scenario, è come se ci fosse poco da essere spensierati. E il passo del film si adegua, complessivamente lento e pensoso, persino al limite della noia. Non c'è molto da ridere, sembra dirci il film; ma regolarmente lo si fa lo stesso, perché con regolarità Zanasi si affida alla consumata naturalezza comica di Mastandrea.

All'ispirazione nobile comunque non corrisponde un risultato all'altezza. Ci sono dei problemi nella faticosa presentazione dei personaggi minori, Filippo dovrebbe essere studente universitario ma ha parole e atteggiamenti da ragazzone capitato lì da chissà dove e, legato a questo, lo scontro tra ragioni del mercato e l'ingenuità ed estraneità ad esso, che dovrebbe sottolinearne la mancanza di fattore umano, è trattato in modo molle e semplicistico. Questo senza contare lo strano lavoro del protagonista e la scarsa chiarezza di quel che effettivamente fa, aspetti su cui converrebbe chiudere un occhio.

Se la freschezza solita del regista c'è meno, c'è sempre lo sguardo simpatetico e fiducioso verso i giovani, lo sfacciato gusto di girare, di muovere la macchina, di mettere in scena inserendo canzoni scelte e inserite in modo non casuale, a costo di creare sequenze al limite del fine a sé stesso o comunque non di movimento narrativo (come quella coi ragazzi in skate verso la fine). D'altronde, congruamente alla sua anima, non è qui che va cercato uno script di ferro, anzi: il film può essere paragonato a dei grandi puntini di sospensione, tantopiù alla luce di un finale -anzi, di un doppio finale, considerati i due piani, il futuro dell'azienda e il rapporto tra Enrico e la fanciulla- molto aperto e sospeso, di quelli che sicuramente il pubblico medio non gradirà. E che però, saldandosi con una memorabile sequenza di congedo sui passi di Michael Jackson (sic), ha una malinconia che resta e in cui non dovrebbe essere difficile riconoscersi.

Hadas Yaron, 25enne israeliana già vincitrice di alcuni premi, tra cui quello per l'interpretazione in Félix et Meira al TFF 2014, è ottima, bella e fresca: il suo personaggio conquista anche per la simpatica svagatezza che però talora prende in contropiede. Battiston poco rilevato.

Alessio Vacchi

Festival ed eventi vari. 33 TFF. QUEL FANTASTICO PEGGIOR ANNO DELLA MIA VITA

Tit.or.: Me & Earl & the Dying Girl. Usa 2015. Di Alfonso Gomez-Rejon.

Greg è un insicuro liceale il cui principale hobby è girare, con l'amico Earl, dei remake parodici di noti film. Come racconta lui stesso in voice over, ciò che cambia la sua vita è l'amicizia, inzialmente forzata, con una ragazza che frequenta la sua scuola, ammalata di cancro. Un rapporto senza speranza che però inevitabilmente lascia a Greg dei segni e un'influenza forte, in un certo senso trasmettendogli sicurezza e maturità.

Film pseudo-indie “alla Sundance” (dove ha ricevuto i gran premi della giuria e del pubblico), Me & Earl... è un lavoro che ha tutte le carte in regola per piacere e infatti è stato molto gradito, a quanto si legge in rete. Su questa consapevole piacevolezza, che non lo è di meno per il suo includere anche note aspre, è però il caso in sede critica di mettere qualche puntino. La commedia dolceamara del 43enne Gomez-Rejon (il cui esordio nel lungo era stato il remake di The Town that Dreaded Sundown) piace facilmente, si diceva, e si comprende che vuole farlo, mascherandolo appena. Quanto funziona questo mascheramento dipende da quanto si è sgamati, e/o da quanto si è disposti ad accettarlo. Comunque sia, a occhi un po' esperti il film appare costantemente pensato, una tela colorata stesa con esibita disinvoltura -e con una tavolozza illuminata in modo palliduccio, con luci che entrano dando morbidezza, che fa parte del pacchetto- di cui però si scorge sempre l'ordito. Nonostante gli vada riconosciuta una dose di originalità (anche visiva, perché nonostante l'aria blandamente wesandersoniana, il chiedersi sempre dove mettere la mdp invigorisce) e non sia certo un guscio vuoto, il film è al contempo un meccanismo di cui lo spettatore un po' esperienzato intravede i fili. E questi fili – o questo ordito – in alcuni aspetti e momenti sono più evidenti che in altri: i personaggi del tatuato e “combattivo” professore di storia e quello dello sciallatissimo padre di Greg sanno troppo di originalità cercata a tavolino, mentre le estenuate sequenze finali, di morte, lutto e scoperte postmortem, non è che non funzionino, ma quello che arriva oltre all'emozione è la coercizione alla commozione dello spettatore, che “deve” emozionarsi. Anche ad elementi simpatici-e-bizzarri come i filmini che i due ragazzi girano in continuazione bisogna un po' sforzarsi di credere, e non convince il barare con lo spettatore, da parte del narratore-protagonista, su una questione centrale nel film. Non male, invece, l'animazione che simboleggia l'impatto di una ragazza attraente (Madison, oggetto del desiderio di Greg) sull'”indifeso” maschio con cui interagisce.

Chi scrive non l'ha detestato né è stato preso da attacchi di cinefilia militante, ed è anzi cosa facile il consigliarlo; ma il paradosso è che il film forse sarebbe stato più riuscito, o perlomeno si sarebbe levato di dosso le perplessità spiegate sopra, senza questa impostazione di piacioneria camuffata per persone ironiche e intelligenti. Musiche di Brian Eno. Piuttosto brutto il titolo italiano, che ricorda quello di una vecchia trasmissione con Villaggio.

A.V.